Lorne Lanning : Seulement Munch’s Oddysee et Hand of Odd sont en développement.

L. L. : Oddworld compte 65 personnes*. Nos équipes de designers et d’infographistes participent à la création visuelle des deux jeux, tandis que chaque jeu a sa propre équipe de producteurs, programmeurs et concepteurs. Pour faire bref, 25 personnes travaillent dans chaque équipe.

L. L. : Je suis le directeur des deux projets. Cela veut dire que je passe l’essentiel de mon temps à communiquer l’objectif global du projet à tous les "producteurs" et à leurs équipes. Le reste est occupé à garder tout le monde synchronisé, à m’assurer que la consistance globale et la jouabilité des projets restent conformes avec la vision du jeu et la vision du monde d’Oddworld.

L. L. : Non, pas en général. Un projet commence avec une vision initiale et des spécificités sur les objectifs à atteindre. Dans le cadre de cette vision il y a des millions de détails et de solutions créatives qui demandent à être trouvées avant que la production du jeu commence. Il y a également des millions de problèmes et de défauts pendant la production qui nécessitent des solutions créatives et techniques. Si c’est un besoin pour le design du jeu l’équipe de design se réunit et trouve des solutions collectivement. Si c’est un problème d’infographie alors l’équipe de graphistes sur ordinateurs se rassemble et jette des idées à la volée. Pareil pour les problèmes de production.

Si plusieurs départements ont besoin de se concerter pour trouver une solution alors ce sont les responsables des départements qui se réunissent. Cela garde tout le monde concentré sans provoquer de frustration ni perdre de temps. Vous ne voulez pas demander l’opinion de quelqu’un si vous n’avez pas l’intention de retenir sa suggestion. Vous essayez de minimiser le nombre de personnes qui ont besoin de participer aux réunions et de garder ceux en rapport avec le résultat recherché.

Lorne Lanning : De la ‘grande’ vision jusqu’au final. Nous regardons l’objectif du projet, le temps que nous avons pour le faire, l’argent à notre disposition pour le faire, et les ressources à notre disposition. A partir de là, c’est de l’ingénierie inversée (!). Notre modèle de production est bien plus proche de la production d’un film que d’un jeu habituel. Tous les gens qui entrent dans notre studio et voient notre approche de la production ne peuvent pas croire que nous sommes une société de jeux vidéo.

L. L. : Nous faisons la meilleure estimation possible sur la durée d’un projet. Nous disons parfois à un éditeur que nous ne sommes actuellement pas en mesure de nous engager pour une date finale, mais que nous serons capables de lui faire savoir la date dans un temps très court. Une fois que nous avons pris un engagement pour une date il faut que nous nous y tenions. Cela veut dire que si quelque chose ne fonctionne pas (dans le jeu), et que nous avons vraiment besoin de le retravailler nous ne livrerons pas le jeu en retard. Nous devons alors travailler encore plus dur pour le finir à temps. On ne fait pas d’étapes intermédiaires comme beaucoup dans cette industrie. Si nous le faisions, cela pourrait nous foutre en l’air.

Nous nous engagerons sur une date finale pour un projet mais nous ne prendrons pas d’engagement sur des étapes intermédiaires sur le chemin. Les étapes que nous créons sont strictement réservées à un usage interne. Nous ne serons pas forcés par des éditeurs extérieurs de les présenter. La raison en est que ces étapes pourraient changer en fonction de ce que l’on apprend en fabriquant le jeu. Mais au final nous livrerons à l’heure en respectant le budget. Jusque là nous avons réalisé deux jeux. Les deux ont été livrés à l’heure avec leur budget. Une des raisons est que nous planifions et prévoyons le coût réel, pas le coût désiré.

Originellement les gens n’aimaient pas quand nous leur disions combien un jeu allait coûter. Nous avons toujours dit : ‘très bien, ne le financez pas’. Mais la plupart des développeurs de cette industrie s’engagent sur des ‘deadlines’ et des coûts qui ne leur permettront pas de construire un bon jeu. Ils ont peur de se battre pour le bon budget, ou ils ne savent pas quel devrait être le bon budget parce qu’ils ne savent pas comment produire efficacement. Résultat, ils dépassent les délais et les budgets. Typique de l’industrie des jeux vidéo.

L. L. : La plupart des jeux en 3D ont mis des années à être faits parce que les gens ne savent pas comment produire, comment définir leurs objectifs, ou ce qu’ils cherchent dès le début. Sans même mentionner qu’ils ne comprenaient pas la 3D ou les images de synthèse. Nous faisons des images sur ordinateurs depuis des années. Et puis la majorité des jeux en 3D ne se jouent pas si bien. Les gens pensent : ‘Oh génial ! La 3D est là et nous allons faire de meilleurs jeux maintenant !’. Et bien, très peu d’entre eux ont vu juste. Et cela ne venait pas tant de la programmation que du design du jeu. Les jeux échouaient sur la table de conception, pas dans le processus de production.

Nous avons parlé avec Nintendo, avant que la Nintendo 64 ne sorte. Leur ‘Dream Team’ développait des jeux et nous avons toujours trouvé ça drôle. Quand nous leur avons dit que leurs équipes se perdaient (avaient des problèmes d’orientation) dans leurs jeux Nintendo nous a répondu avec un : ‘Comment savez‐vous ça ? C’est exactement ça !’. Comme si nous avions un informateur infiltré. Mais le fait est, que si vous provenez des milieux de la simulation aérospatiale, du travail sur les images générées par ordinateur et avez une bonne sensibilité ce n’est pas difficile d’imaginer les problèmes que la majorité des gens vont avoir en faisant de la 3D.

Lorne Lanning : Le directeur a besoin de connaître chaque détail de chaque aspect du jeu. Il n’a pas besoin de savoir comment programmer le code, mais il a vraiment besoin de savoir le vocabulaire des programmeurs et de comprendre les bases de ce qui est faisable, de ce qui ne l’est pas et, de savoir quand on lui raconte des ‘co…ries’ Idem pour la direction artistique, la production et la conception.

Il (le directeur) n’a pas besoin d’être capable de mieux dessiner qu’un graphiste, en revanche il doit savoir comment conduire un graphiste vers un travail plus pointu encore. En tant que directeur sur nos projets, jusque là oui, je suis l’épine dans le pied.

L. L. : Je dessine rarement maintenant. D’ordinaire quand j’ai besoin de dessiner c’est sur un tableau blanc de bureau, ou une feuille de papier pour montrer un objectif, offrir une solution ou une suggestion sur la façon de rendre quelque chose plus fort et, ultimement, plus efficace vers le but recherché. Mon temps est trop court pour m’asseoir et faire de jolis dessins comme avant. Ce que je dessinerais ou peindrais maintenant servirait à illustrer un style graphique particulier, une ambiance, juste assez pour communiquer l’idée et la faire passer entre les mains de quelqu’un de talentueux qui saura s’en servir et l’améliorer.

Originellement je dessinais avec des crayons. Puis j’ai été un peintre. Ensuite j’ai découvert l’ordinateur et j’ai préféré dessiner avec la souris. Mais maintenant, je n’ai plus l’occasion de mettre mes mains dans le ‘mix’, seulement mon cerveau, mes yeux et ma bouche.

L. L. : Ça dépend. D’ordinaire les responsables graphiques ont des tâches bien assignées et font des propositions de couleurs avec les dessins. Quelquefois le Directeur Artistique ** du projet propose un set de couleurs au directeur et aux graphistes. S’ils fonctionnent ils sont alors approuvés. Si les couleurs semblent pouvoir être plus fortes, plus riches, ou représenter davantage le ton et l’ambiance alors c’est retour à la table à dessin pour le directeur Artistique et le graphiste.

L. L. : Cela fait très longtemps que j’ai programmé personnellement. Je n’ai jamais vraiment été un programmeur, c’est juste que j’avais besoin de l’apprendre pour faire ce que j’avais à faire quand j’étais directeur technique pour les effets spéciaux par ordinateur. Je pense qu’il est très important pour un directeur de comprendre les bases de la programmation de façon à pouvoir communiquer correctement avec les programmeurs.

L. L. : Pas du tout. J’ai posé un standard il y a longtemps sur la manière dont nous devions présenter nos points de vue. Nous avons plusieurs personnes talentueuses qui arrivent avec ces supers idées qui restent cohérentes, et, espérons, améliorent ce standard.

L’écriture est réservée à un noyau dur. La Quintology Oddworld a des fondations basées sur l’humour, l’ironie, les conflits, les textes subliminaux, une bizarrerie générale. A partir de cet univers, d’autres personnes sont capables d’extrapoler et de créer des nouvelles choses qui ont l’air d’appartenir uniquement à Oddworld. D’une manière générale, le but est de ne pas avoir un seul créatif qui monopoliserait les idées mais plusieurs qui réussissent, tout en restant synchronisés, à agrandir dans la bonne direction, l’univers dans son ensemble.

Lorne Lanning : Ouaip. Ce n’est pas un gros studio hollywoodien classieux, mais il répond à tous nos besoins. Nous pouvons obtenir 100% de ce que nous voulons en interne.

L. L. : Jusqu’ici j’ai fait la majorité des voix. J’interprèterai toujours des voix parce que j’en retire un grand plaisir. Même si c’est difficile. Mais j’essaie vraiment d’encourager d’autres personnes d’en faire aussi. Nous voyons cela comme une philosophie à la Jim Henson (le Muppet Show et le film Dark Crystal, NDR). Si vous travaillez dans notre entreprise vous devez pouvoir faire une voix.

Bien sûr ce n’est pas toujours vrai, rien ne me rendrait plus heureux si davantage de gens pouvaient faire de super voix. Sur Abe’s Exoddus une ou deux personnes sont venues participer et ont fait un super travail vocal.

L. L. : Le ‘gamespeak’ † avait besoin d’être plus audible. C’est difficile de dire pourquoi nous avons fait ce changement, après coup. Je voulais que Abe s’endurcisse un peu, tu vois, parce qu’il a enduré pas mal. Alors j’ai pensé que sa voix devait ‘grandir’. Rétrospectivement je crois que j’aimais mieux sa voix dans Oddysee que dans Exoddus. Je sais que beaucoup de fans aussi. Quand tu es sous l’énorme pression de la production, c’est facile de perdre de vue quelques uns des éléments qui font l’essence et le charme d’un personnage, et tu veux toujours faire mieux. Je crois que les deux voix ont été une réussite mais je préfère la première. Dans le futur, la voix d’Abe sera un mélange entre les deux, plus proche de Oddysee que de Exoddus.

L. L. : Je ne crois pas vraiment qu’elles soient si jeunes, elles sont plus caractéristiques. Une ou deux sonnent plus jeunes mais d’autres sont plus sarcastiques et même plus profondes que Abe. Et puis nous ne voulons pas de voix qui sonnent trop humaines. Nous voulons qu’elles semblent issues de personnages, non d’acteurs. Par exemple, je n’aime pas quand on entend les voix d’acteurs reconnaissables dans les Disney. Pour moi, ça ne fonctionne pas. Je veux entendre quelque chose de cool et de différent, comme le Yoda ou les Muppets. Ce ne sont pas des voix humaines. Elles ont quelque chose d’étranger, et cela les rend plus fortes dans un monde imaginaire.

L. L. : Nous cherchons à couvrir tout le spectre de l’audience, à l’exception des très jeunes. Nos jeux sont actuellement classés ‘teen’ (bon pour adolescents et plus âgés) et le seront probablement toujours. Nous ne ferons pas des jeux pour une audience plus jeune si cela implique de les rendre superficiels et idiots pour les gens plus âgés. Nous croyons être capables de créer des expériences que les jeunes et les adultes aimeront. Comme Star Wars le fait … ou l’a fait. Après avoir vu le dernier film la Menace Fantôme, Star Wars a très certainement pris un franc virage vers une audience très jeune, et c’est un virage que personnellement je n’apprécie pas. Alors même que je suis un grand fan. Surtout parce que je suis un grand fan. Je me sens un peu trahi et je ne veux pas que les gens ressentent cela un jour dans notre univers (Oddworld).

Lorne Lanning : Des super graphismes ! Nous avons des trucs qui tournent à un niveau basique et personne n’a jamais rien vu de pareil. Aucun de nous. Nous faisons les choses si différemment que les autres que cela crée un look complètement unique. Quelque chose de beaucoup plus réaliste que tout ce que nous avons pu observer.

L. L. : Selon les besoins de chaque application. Les personnages, objets et paysages sont en polygones, les explosions et autres effets se réussissent parfois mieux avec un mix de polys et de sprites.

L. L. : Pas du tout. Regardez les écrans de Oddysee et Exoddus. Rien de ce qui a été fait en temps réel n’atteint ce niveau de détails. Quand je vois Zelda obtenir un 10 pour les graphismes j’ai envie de vomir. L’augmentation de la richesse des textures ne compromettra pas Oddworld.

L. L. : Le retour de force va devenir une partie importante du futur des jeux. Pour nous comme pour les autres. Cela dit, nous n’essaierons pas de réinventer le matériel au risque que moins de gens puissent jouer à nos jeux. Notre but est de capitaliser sur le nombre de consoles en place. Nous faisons du software, pas du hardware. Se méprendre sur les deux métiers quand on fait des jeux aussi chers que les nôtres pourrait être mortel.

L. L. : Le nombre de Macintosh installés ne justifie pas l’adaptation. Cela nous coûterait 250 000 dollars pour adapter le jeu sur Macintosh. Pouvons nous récupérer cette somme avec si peu de Mac là, dehors ? Peut‐être, mais personne jusqu’ici n’a insisté pour que nous le fassions. La Playstation 2 est à l’horizon mais Hand Of Odd pourrait fonctionner sur Dreamcast.

L. L. : Que Oddworld soit exclusif à Sony reste encore à déterminer. Quoiqu’il en soit, Hand Of Odd sera sur Playstation 2 et pas sur PC comme nous l’avions envisagé au début. Nous avons récemment décidé que la Playstation 2 serait notre marché le plus important et ce serait une erreur à ce moment précis de se disperser. Alors nous avons choisi de concentrer nos efforts sur un seul outil informatique ambitieux de façon que Munch’s Oddysee et Hand of Odd puissent tous les deux s’y appuyer. C’est plus malin pour nous.

L. L. : La ‘Quintologie’ Oddworld a originellement été conçue comme une série de films. Puis j’ai compris un jour que la meilleure façon d’amener Oddworld au cinéma serait de créer d’abord des jeux vidéo de façon à familiariser le public avec l’univers d’Oddworld. Jusqu’ici cela a formidablement bien marché, de nombreux décideurs d’Hollywood veulent une part dans le film. Cela ne serait jamais arrivé si les jeux n’étaient pas sortis avant. Parce que notre univers est venu à la vie dans les jeux, les joueurs ne seront pas oubliés quand nous commencerons à faire des films. Notre rêve est d’accomplir les deux sans compromettre ni l’un ni l’autre.

A terme, il faudra certainement un grand studio pour financer le film. Des pourparlers ont commencé depuis longtemps déjà mais l’arrivée de Abe sur un grand écran ne se fera pas avant un bon moment. Nous voulons être sûrs que quand il y arrivera ce ne sera pas pour faire un nouveau film mièvre adapté d’un jeu vidéo. Cela doit être un deal de cinq films et le studio doit les soutenir comme s’il s’agissait d’un Apocalypse Now du film d’animation, pas simplement un film animé pour gamins. Quand nous le ferons, nous voulons vraiment étonner les gens et leur donner à repenser totalement ce qu’un film d’animation peut être.